Fue construida para que permaneciera en posición vertical pero comenzó a inclinarse tan pronto como se inició su construcción en agosto de 1173.


En 1992, se protege el segundo piso (por el que se iniciaría un probable derrumbre) con cables de acero revestidos de plástico.

En 1993, se colocan 600 toneladas de lanchas de plomo junto a la pared norte del primer piso, lo que constituye la primera intervención para estabilizar la torre por este lado.



En 1995, se congela el terreno con nitrógeno líquido como paso previo a la retirada del contrapeso instalado en 1993.

En 1998, se ancla la torre con cables de acero para proteerla de las excavaciones a realizar en sus cimientos. Un contrafuerte de hormigón armado ubucado a unos 90 m del campanario los sujeta. Esto permite iniciar la extracción de tierra.

En 1999, empiezan las obras de excavación en la base de la torre mediante un aparato de perforación situado a 20 m de distancia.






El monumento mide de altura 58,36 metros en el plano de los cimientos, y más de 55 fuera de la tierra.
La inclinación actual es de unos 55° o sea un 10%; el valor correspondiente a la excentricidad de las cargas en el plano de los cimientos es de 2,3 metros.

En el centro de la planta se encuentra la elegante pila bautismal octogonal de mármol blanco, obra del insigne escultor gótico lombardo Guido Bigarelli da Como (activo entre 1238 c. y 1257). Las ocho caras de las que consta la pila están soberbiamente ornamentadas con rosetones centrales y dibujos geométricos de mármol. En el centro de la pila se alza la hermosa escultura de bronce que representa a San Juan Bautista, realizada en 1929 por el renombrado escultor italiano Italo Griselli (1880-1950).


Junto a la pila está situado el sobresaliente e innovador púlpito de mármol blanco de Nicola Pisano, quien empezó a realizar la obra en 1260.
El gran púlpito se sustenta sobre una columna central instalada en un pedestal con imágenes grotescas y representaciones de animales, basadas en imágenes de antiguas religiones paganas, y seis columnas externas. De éstas, tres de ellas reposan sobre lomos de leones que están decorados con diseños románicos que representan el triunfo del Cristianismo.
Las columnas están rematadas con capiteles góticos espléndidamente tallados.
Los arcos que conforman el púlpito cuentan con valiosos paneles labrados con las imágenes de los profetas, los evangelistas, San Juan Bautista y las virtudes. Además, Nicola Pisano talló una larga serie de escenas, sublimemente expresadas, que describen la vida de Nuestro Señor Jesucristo, comenzando por la Anunciación de la Virgen y terminando por la Pasión de Jesús y el Juicio Final.




La obra de Nicola Pisano es de base hexgonal, sin embargo el púlpito la catedral es circular, la primera tiene seis columnas externas, algunas apoyadas sobre leones (común a los dos púlpitos), sin embargo la segunda tiene siete, con algunas cariatides.
El púlpito de Giovanni tiene una columna central decorada de tres figura, en forma de cariátides, que representan las tres Virtudes y una base decorada de las Virtudes teologales, el de Nicola tiene una columnna central desnuda con una base decorada de figuras grotescas, como duendes.
Se puede observar que Nicola utiliza arcos de medio punto trilobulados y Giovanni arcos apuntados.
Giovanni Pisano se diferencia en la escultura de su padre por darle mayor dramatismo y agitación a sus figuras, de tal manera que resultaban más estilizadas.


Pulpito de Nicola Pisano, de Baptisterio.

















Púlpito de Giovanni Pisano, de la catedral de Pisa.

Es el más grande baptisterio de Italia: su circunferencia mide 107,24 m., mientras que de ancho, su muradura a la base es de dos metros y 63 cm., por una altura de 54 metros y 86 centímetros. La cúpula se halla recubierta por tejas rojas que dan hacia el mar y por láminas de plomo que dan hacia el este.

El gran cilindro está rodeado, así como la atedral, de arcadas sobre columnas, y como ésta, está construída en mármol blanco listado en gris. En su interior, ocho columnas monolíticas que compiten en altura con las de la Catedral, alternadas con cuatro pilastras, delimitan un espacio central ocupado por la fuente bautismal octágona de Guido da Como (1246) flanqueado por un Púlpito de Nicola Pisano (1260). Un matroneo, cubierto por una bóveda anular, se asoma hacia la zona central con una serie de arcos amplios todo a su alrededor. El sistema de copertura está constituido por una doble cúpula, la interna en forma de tronco de piramide dodecagonal, la externa en forma de hemisferio, sormontada a su vez por una pequeña cúpula, y, justamente la particular estructura arquitéctonica de la cobertura hace que el baptisterio pisano esté dotado de una acústica escepcional. Cada 30 minutos es posible apreciarla gracias a las entonaciones vocales del personal de vigilancia.

El baptisterio es de estilo románico-pisano se encuentra al oeste del Duomo (Catedral), en el mismo eje del anterior.
Lo diseñó casi por entero el Maestro Diotisalvi, un prestigioso arquitecto toscano de la época, quien empezó a construirlo en 1152 – unos cien años después del Duomo- tal y como consta en las inscripciones que hay en los pilares situados junto a la puerta de entrada.
Diotisalvi concibió un edificio religioso de enormes proporciones en mármol blanco y de planta circular en conmemoración a la “Rotonda de la Anástasis”, el grandioso mausoleo situado sobre el Santo Sepulcro de Jerusalén.
El arquitecto dirigió las obras del Baptisterio desde 1152 hasta 1180, aprox., hasta que la parte superior de los arcos del primer nivel de la fachada se terminaron de construir y hasta que las columnas y los pilares interiores estuvieron acabados.
En 1260 el célebre escultor italiano Nicola Pisano (activo en Toscana entre 1258 y 1278) dio continuidad a las obras del Baptisterio, que habían quedado interrumpidas durante décadas, aumentando la altura del Baptisterio mediante el posicionamiento de dos cúpulas. La superior y más pequeña de ellas es de forma cónica con la cima recortada y está situada sobre la principal en forma de hemisferio. A Nicola Pisano le sucedió su hijo Giovanni (Pisa -1250 ca. – Pisa 1316).

Las obras prosiguieron sin interrupción alguna durante unos dos siglos, por lo que se observan elementos procedentes de dos estilos distintos, fundamentalmente. Los arcos ciegos que están situados en la parte baja de la fachada son de estilo románico-pisano, mientras que las pequeñas galerías superiores son de estilo gótico.
El Baptisterio de San Giovanni de Pisa, cuya construcción y ornamentación interior se terminó en el siglo XIV, está considerado como el mayor de su estilo en el mundo de la Cristiandad. Tiene más de 107 metros de circunferencia y la cúpula mide 75 metros de altura.

Nicola Pisano fue un escultor italiano al que se considera como el último escultor medieval gótico o el primero del renacimiento.

Se formó en la corte de Federico II. Su obra del púlpito del baptisterio de Pisa, en 1260, puede considerarse como algo sin precedentes en la escultura italiana, haciendo confluir muchos estilos y a la vez consiguiendo una unidad artística insuperable. También realizó en púlpito de la catedral de Siena, de menor influencia clásica pero relieve más profundo y composición más hábil. Esta obra, de 1265-68, fue realizada con ayuda de su hijo Juan Pisano.

Giovanni Pisano, escultor y arquitecto italiano. Aprendió ambos oficios de su padre, Nicola, con el que colaboró en la realización del púlpito de la catedral de Siena, la fuente mayor de Perugia y la decoración del baptisterio de Pisa.

A la muerte de su padre, acaecida hacia 1284, se estableció en Siena, probablemente después de ser nombrado maestro de obras de la catedral. Se ocupó sobre todo del diseño de la fachada que, sin embargo, no se llevó a cabo en su totalidad como él la había concebido, y de la realización de las esculturas que debían embellecerla, las cuales representan a los profetas del Antiguo Testamento que predijeron la llegada de Cristo y constituyen un caso único en el estilo gótico por la variedad de las posturas y expresiones, y por su concepción intensamente dramática.

Es, de hecho, esta inclinación de Giovanni Pisano hacia el realismo y la tensión dramática la que ha conducido a los críticos a considerar que desempeñó, en la escultura, un papel semejante al de Giotto en la pintura. En 1297, Giovanni se trasladó a Pisa, donde ocupó el cargo de maestro de obras de la catedral. Simultaneó este trabajo con la realización del púlpito de la iglesia de San Andrés, en Pistoia, donde retomó el esquema gótico de su padre como punto de partida para una representación de gran viveza plástica y enorme fuerza emocional.

Gracias a su estructura arquitectónica y la compleja decoración escultórea, la obra es una de las más vastas narraciones por imágenes del siglo XIV que refleja la renovación y el fervor religioso de la época.

La obra de Nicola Pisano es de base hexgonal, sin embargo el púlpito la catedral es circular.

Arcos de medio punto trilobulados, de influencia bizantina
El gran púlpito se sustenta sobre una columna central instalada en un pedestal con imágenes grotescas y representaciones de animales, basadas en imágenes de antiguas religiones paganas, y seis columnas externas. De éstas, tres de ellas reposan sobre lomos de leones que están decorados con diseños románicos que representan el triunfo del Cristianismo.
Las columnas están rematadas con capiteles góticos espléndidamente tallados.
Los arcos que conforman el púlpito cuentan con valiosos paneles labrados con las imágenes de los profetas, los evangelistas, San Juan Bautista y las virtudes. Además, Nicola Pisano talló una larga serie de escenas, sublimemente expresadas, que describen la vida de Nuestro Señor Jesucristo, comenzando por la Anunciación de la Virgen y terminando por la Pasión de Jesús y el Juicio Final.

Muestra nueve escenas del Nuevo Testamento, tallado en mármol claro con un efecto de claroscuro.

El gran mosaico del ábside con Cristo en majestad, rodeado por la Virgen y San Juan Evangelista fue terminado con el rostro de san Juan por Cimabue en 1302, y sobrevivió milagrosamente al incendio de 1595.



Es de estilo románico, ya que las figuras están serias y tienen uniformidad eb los rostros.No expresan contornos demasiados firmes o acentuados y no tienen perspectiva.

El interior de la Catedral está formado por mármoles blancos y negros. Su techo está hecho en madera y pintado, por Domenico y Bartolomeo Atticiati.

Hay frescos de la Virgen en la gloria y los santos entre los transeptos y el cuerpo central, en una cúpula. Fueron pintados por Orazio y Girolamo Riminaldi.

Podemos ver 27 pinturas que se encuentran detrás del altar mayor, representando los Episodios del Antiguo Testamento e Historias cristológicas, realizadas entre el siglo XVI y XVII.

Se encuentra la venerada imagen de la Virgen con el niño, conocida como Madonna di sotto gli organi, que fue elaborada por Berlinghiero Berlinghieri.

Al inicio, el edificio tenía planta de cruz griega y la cúpula sobre el cruce de ambos brazos. Hoy tiene planta de cruz latina con cinco naves con ábside y transepto de tres naves.

Tiene una riquísima decoración que consta de mármoles multicolores, mosaicos y numerosos objetos de bronce provenientes del botín de guerra, entre los cuales el Grifo usado como parte del techo, junto a Palermo en 1061.

Los arcos de perfil agudo hacen referencia a influencias musulmanas y del centro de Italia. La fachada de mármol gris y blanco, decorada con incrustaciones de mármol colorado fue edificada por el maestro Rainaldo.

Los tres portales están bajo tres órdenes de logias divididas por cornices con teselas de mármol, tras las cuales se abren monóforas, bíforas y tríforas.




La cubierta inicial de ésta catedral era de madera y su armadura fue sustituida en el siglo XVI por el artesonado que luce actualmente. Los capiteles son corintios, la construcción es de principios del siglo XII, fue consagrada por vez primera en 1.118. Encima de éstas se extiende una tribuna y a un tercer nivel, unos ventanales, esbeltos y sencillos.

La Catedral de Santa María Asunta, pues así es el nombre de la catedral de Pisa, se encuentra en en el centro de la Piazza dei Miracoli.
Ésta nos muestras el prestigio y la riqueza que alcanzó la república minera en Pisa durante su apogeo.

Empezó a construirse en 1063 hasta 1064, por el arquitecto Buscheto.



Tiene elementos estilísticos diversos, clásicos, lombardo-emilianos, bizantinos y en particular islámicos para probar la presencia internacional de los mercaderes pisanos de aquellos tiempos.

La Piazza dei Miracoli ("Plaza de los Milagros") o también llamada Piazza del Duomo ("Plaza de la Catedra") es una amplia área amurallada en el corazón de la ciudad de Pisa, en la Toscan Italiana renombrada como uno de los principales centros de arte medieval del mundo.


La Plaza de los Milagros se compone de los siguientes edificios:

-El Duomo.
-El Baptisterio.
-La Torre inclinada de Pisa.
-El Camposanto.

La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, y podemos ver los comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo, a principios del siglo XIII. El impulso decisivo de esta pintura realista cristiana se produjo en la Italia septentrional de finales de siglo. Diseminándose por el resto de Europa, el periodo gótico se extendió durante más de doscientos años.

La característica más evidente del arte gótico es el naturalismo cada vez mayor, frente a las simplificadas e idealizadas representaciones del románico. La pintura gótica se aproxima a la imitación de la naturaleza que será el ideal del renacimiento, incluyendo la representación de paisajes, pero sigue siendo poco usual. También es el momento en el que comienza la pintura profana, donde los temas de la ya no son siempre religiosos.

En el gótico, en correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico.

El artista gótico busca su inspiración en la vida. Hay mucho sentimiento en las obras góticas. Paralelamente, la cultura burguesa demanda una nueva elegancia dentro del arte. Hay más detalles narrativos, más frescura, color, luminosidad,... que se logran con técnicas más refinadas.

En el principio del periodo gótico, el arte se producía principalmente con fines religiosos. Muchas pinturas eran recursos didácticos que hacían e cristianismo visible para una población analfabeta; otras eran expuestas como iconos, para intensificar la contemplación y las oraciones. Los primeros maestros del gótico conservaban la memoria de la tradición bizantina, pero también crearon figuras persuasivas, con perspectiva.

La escultura gótica se extiende desde finales del siglo XII a comienzos del siglo XV por la Europa Occidental cristiana.

Los capiteles dejan de ser un espacio preferente para los relieves; las arquivoltas de los pórticos pasan de ser decoradas en sentido radial para serlo en el sentido de los arcos; el altar mayor pasa a acoger retablos cada vez más complejos, que pueden ser pictóricos o escultóricos.

Las esculturas de bulto redondo empiezan a independizarse de las paredes y a hacerse cada vez más autónomas. Las adosadas a las columnas y parteluces se hacen más esbeltas y dinámicas.

La expresividad cambia, haciéndose menos hierática y más expresiva, reflejando sentimientos (dolor, ternura, simpatía), y en coincidencia con una nueva mentalidad más urbana y próxima a los conceptos filosóficos del hombre y la naturaleza en la filosofía escolástica y la renovación de la espiritualidad. En concreto la representación de las distintas escenas de la vida de Cristo se hacen desde una perspectiva más humana, con el fin de acercarlo a la experiencia vital de cada fiel: desde el Nacimientos hasta la Crucifixión. La representación de la Virgen María suele hacerse más femenina y maternal, mientras que en el románico solía reducirse a un mero trono donde Cristo se sienta para gobernar al mundo.

Palazzio Vecchio, Florencia:



Catedral de Siena:

En las puertas y la fachada se despliega el arte gótico con toda su magnificencia y su concepción teológica. En la portada gótica se multiplican las arquivoltas y se añade una mayor elevación de líneas con más riqueza y finura escultórica guardando siempre en arcos y adornos la forma propia del nuevo estilo. Encima de la puerta suele colocarse un elevado gablete.

Las portadas más suntuosas llevan imágenes de apóstoles y de otros santos bajo doseletes entre las columnillas, además de otras menores entre las arquivoltas, flanqueando el ingreso el cual está dividido por un parteluz que sirve de apoyo a una estatua de la Virgen María o del titular de la iglesia.

Las ventanas del periodo de transición suelen ser como las románicas de arco apuntado. Pero luego se ostenta el verdadero ventanal gótico amplio y decorado en su parte superior con hermosos calados de piedra, los cuales se forman de rosetoncillos combinados, siempre sostenidos por columnillas o parteluces. En el siglo XIV se complica la tracería multiplicándose los rosetoncitos y adelantando ya el XV se combinan las líneas formando curvas serpenteantes constituyendo el calado flamígero.

Una cosa parecida se observa en los grandes rosetones que se colocan en lo alto de las fachadas: al principio, toman la forma radiante y sencilla aunque en iglesias suntuosas es algo más complicada. Las ventanas y rosetones suelen cerrarse con magníficas vidrieras polícromas e historiadas donde a su modo se ejercita el arte pictórico monumental ya que apenas le dejan espacio para su desarrollo los escasos lienzos de pared que median entre los referidos vanos en las iglesias suntuosas. Pero en las más humildes se sustituyen las vidrieras por láminas de piedra translúcida y aun tal vez por encerados.

La Planta.

La planta de las grandes iglesias góticas responde a dos tipos principales:

• de tradición románica. En ella se observan casi las mismas formas que en el estilo románico y más comúnmente la de cruz latina, con girola o sin ella pero con los brazos poco salientes y con los ábsides o capillas absidiales frecuentemente poligonales. En las iglesias menores o populares se adopta como planta más común la de cruz latina o la rectangular y con un solo ábside poligonal en la cabecera.
• de salón. Donde la planta carece de crucero de brazos salientes (aunque no deja de ostentarse más o menos la simbólica cruz de enmedio), el templo de salón presenta una disposición basilical y posee tres naves de igual altura y, por consiguiente, un sistema de iluminación lateral. Los espacios interiores son amplios y desahogados, abarcables con una sola mirada y tremendamente unitarios, por ello que parezcan o tengan el aspecto de un gran salón.

En todo caso, la planta se divide en tramos rectangulares o cuadrados determinados por las columnas y arcos transversales y sobre éstos, cargan las bóvedas de crucería.

El Arco apuntado.

El arco apuntado es uno de los elementos técnicos más característicos de la arquitectura gótica y sucedió al arco de medio punto, del estilo románico. El arco apuntado, a diferencia del arco de medio punto, es más esbelto y ligero ya que transmite menores tensiones laterales, permitiendo salvar más espacios.

Bóveda de crucería.

La bóveda de crucería, formada por arcos apuntados es más ligera que cualquier otro tipo de bóveda construida. La utilización de este tipo de arco formando un esqueleto tridimensional unitario refleja el alto conocimiento técnico que alcanzaron los constructores de catedrales.

Para soportar el empuje del peso de las bóvedas construyeron contrafertes con abortantes en vez de construir gruesos muros como se realizaba en el románico, en el que los contrafuertes adoptaban la forma de pilares adosados exteriormente al muro. Los contrafuertes se separaban de la pared, recayendo el empuje sobre ellos por medio de un arco de transmisión denominado arco arbotante. Podían alcanzar una mayor resistencia colocando a continuación un segundo contrafuerte. Los arbotantes también cumplían la misión de albergar los canales por donde descienden las aguas de los tejados y evitar así que resbalen por las fachadas.

Por un lado, la disposición de estos machones transversales permitía hacer fachadas con enormes huecos. Además al conectar los contrafuertes por medio de arcos arbotantes a la estructura principal se ganaba brazo de palanca y se liberaba espacio para situar naves laterales, paralelas a la nave principal.

El sistema de arbotantes y contrafuertes de las iglesias góticas constituye un elemento característico que embellecen el exterior de los edificios, pero a la vez, ponen de manifiesto la propia fragilidad estructural, ya que sujetan el edificio a modo de apuntalamiento externo.

Los dos elementos estructurales básicos de la arquitectura gótica son el arco apuntado u ojival y la bóveda de crucería, cuyos empujes son más verticales que el arco de medio punto, permiten una mejor distribución de las cargas y una altura muy superior. Además, la parte principal de estas son transmitidas desde las cubiertas directamente a contrafuertes exteriores al cuerpo central del edificio mediante arbontantes. El resultado deja a la mayor parte de los muros sin función sustentante, quedando la mayor parte de aquéllos libres para acoger una extraordinaria superficie ocupada por amplias vidrieras y rosetones que dejan paso a la luz.

El Gótico es un estilo artístico, está comprendido entre el románico y el renacimiento, que se desarrolló en Europa Occidental la (cristinidad latina) en la Baja Edad Media, desde finales del siglo XII hasta el siglo XV, aunque más allá de Italia las pervivencias góticas continuaron hasta los comienzos del siglo XVI.

El vocablo «gótico» es el adjetivo correspondiente a godo y fue utilizado en este contexto por primera vez por el tratadista florentino Giorgio Vasari (1511-1574).

La arquitectura gótica puso especial énfasis en la ligereza estructural y la iluminación de las naves del interior de los edificios. Surgió del románico pero acabó oponiéndose a la masividad y la escasa iluminación interior de sus iglesias. Su desarrollo fue fundamentalmente en la arquitectura religiosa, teniendo su cumbre en la construcción de grandes catedrales, aunque también tuvieron importancia la arquitectura civil (palacios, lonjas comerciales, ayuntamientos, universidades, hospitales y viviendas de la nueva burguesía urbana) y arquitectura románica (castillos y murallas).

Tuvo su origen en las regiones de Normadía e Isla de Fracia, desde donde se difundió primero a todo el reino de Francia y posteriormente (mediados del siglo XIII), por el Sacro Imperio Germánico y los reinos cristianos del norte de España. En Inglaterra penetró pronto el estilo francés, aunque adquirió un fuerte carácter nacional. A Italia llegó tarde, no tuvo mucha aceptación, y su impacto fue muy desigual en las distintas regiones, y muy pronto fue sustituido por el Renacimiento.

Se denomina a la pintura románica al conjunto de la pintura desarrollada en Occidente desde la invasión de los bárbaros hasta mediados del siglo XII.

Sus antecedentes son el estilo de imitación bizantina y el románico, que se manifiestan en cuadros murales, miniaturas y mosaicos.

Se manifiesta principalmente en la decoración de muros interiores de iglesias, en pinturas de frontales de altar, en miniaturas o iluminaciones de códices, alguna vez en mosaicos de pavimentos, esmaltes para decoraciones del mobiliario y en algunas vidrieras de colores que empiezan a usarse en su época desde finales del siglo X.

La pintura románica se caracteriaz por el escaso estudio de la naturaleza que revelan sus figuras, por la seriedad y uniformidad de los rostros en la forma humana, por la simétrica plegadura de los paños, por las violentas actitudes que se dan a los personajes al representar una escena y el rígido hieratismo cuando las figuras no han de expresar acciones, por sus contornos demasiado firmes o acentuados y por la falta de perspectiva que ofrece la composición en conjunto.

Los procedimientos que generalmente se siguieron fueron el temple y el fresco para cuadros y decoraciones murales, el temple y la aguada en la pintura sobre tabla y la aguada o acuarela para las iluminaciones de códices. En la pintura sobre tabla era bastante común el recubrir la superficie con un lienzo pegado a la misma sobre el cual se aplicaban algunas manos de fina escayola y se trazaban en ésta para fondo del cuadro ciertos surcos o rayitas e incluso dibujos en relieve y luego se pintaban las figuras que en muchos puntos aparecen también con resalto.

Dominándose a la escultura románica la aplicación de los cánones del arte románico en el campo de la escultura.

Características de la escultura románica:

1. Los precedentes históricos:

La esultura románica no surge por generación espontánea; hay que buscar sus antecedentes en los ensayos prerrománicos de los pueblos bárbaros: joyas, marfiles, iluminación de códices, ..., en la estatuaria bizantina: la herencia grecolatina mediatizada por la espiritualidad cristiana y en la escultura tardorromana y los sarcófagos paleocristianos, que aportaron rasgos formales e iconografía.

2. La subordinación al marco arquitectónico: el concepto de espacio-límite.
La portada y el capitel son el soporte específico de la escultura. Estos espacios constituyen el límite natural de la escultura monumental y el relieve, tales manifestaciones están obligadas a adaptarse al marco arquitectónico.

3. Características formales:
-Antinaturalismo: desconexión de lo representado con el mundo real. Carácter simbólico y alegórico. Se busca la expresión del contenido religioso.
- Las figuras se deforman intencionadamente buscando el impacto emocional.
-Simplicidad y estilización. Geometrismo y abstracción.
-Rehusa la representación del cuerpo humano desnudo, todas las figuras se cubren con vestiduras. No hay canon de proporcionalidad, ni equilibrio entre masa y peso.
-Las figuras son rígidas, hieráticas. Solemnes y alargadas, para acentuar su carácter espiritual. Técnicamente aparecen como primitivas, con un cierto aire arcaico.
-Ausencia general de movimiento.
-Las composiciones y escenas se yuxtaponen en un mismo plano, sin formar grupos.
-Falta volumen, las composiciones son planas y simétricas, con un claro predominio de la frontalidad.
- Es una plástica que se dirige a la mente, de una gran carga intelectual, dado que transmite contenidos ideográficos con un evidente afán didáctico.


4. TEMÁTICA E ICONOGRAFÍA
· La temática está inspirada y determinada por la Iglesia así como el conjunto de imágenes que articulan su expresión (iconografía). La jerarquización de los temas es una constante en cuanto a qué espacios ocupan y qué relevancia visual tienen.
· La inspiración para las imágenes procede de las miniaturas prerrománicas y los marfiles bizantinos, que sugieren modelos, actitudes y composiciones.
· La temática se extrae del Antiguo y del Nuevo Testamento, o de las hagiografías (vidas de santos y mártires) más significativas.
· La catequesis pétrea se completaba con alegorías sobre los pecados, vicios y virtudes, etc. intentando llevar a la plástica ideas o conceptos que impresionaran la conciencia popular.
· La Portada es el espacio elegido para la escena principal;

En el tímpano podemos hallar:
· El Pantocrátor o Cristo en Majestad, envuelto en la “mandorla mística” y rodeado de los cuatro evangelistas.
· El Juicio Final, a cuyos pies aparecen los 24 ancianos citados en el Apocalipsis de San Juan.
· La Virgen.
· La crucifixión
· El Crismón que representa a la Santísima Trinidad

Las jambas (los elementos verticales que sustentan el dintel de un vano o un arco) a veces podemos hallar también figuras de santos u otros motivos.
Las arquivoltas se decoran con motivos geométricos o figuras humanas, que se adaptan al arco de la moldura.

Catedral de Módena:

Atrio y fachada de San Ambrosio, Milán.

Catedral de Parma:


Torre de Pisa:


Basílica de San Marcos, Venecia:


Catedral de Pisa:


San Michele in Foro, Lucca:



Baptisterio de San Giovanni, Florencia:

Las puertas se hallan formadas por una serie de arcos redondos concéntricos y en degradación apoyados en sendas columnillas de suerte que todo el conjunto forma una especie de arco abocinado y moldurado.

Algunas portadas carecen de dintel y de tímpano pero por lo general se hallan provistas de uno y otro y entonces se esculpen sobre el último relieves simbólicos o iconísticos y a los lados de la portada o en las jambas y aún en el mismo arco abocinado se disponen variadas series de labores ornamentales en relieve, flanqueándose, a veces, con estatuas el ingreso en las iglesias más suntuosas.

Las ventanas se abren casi siempre en la fachada y en el ábside y algunas veces en los muros laterales. Son más altas que anchas y terminan por arriba en arco doble, generalmente plano o de arista viva apoyado sobre columnas y cuando estos arcos se rodean de molduras finas o baquetones o bien las ventanas han dejado la primitiva estrechez, pertenecen a la segunda época del estilo.

Se cierran las ventanas con vidrieras incoloras o de color en algunas iglesias suntuosas o con láminas traslúcidas de alabastro o yeso cristalino o con simples celosías de piedra perforada y en las iglesias pobres con simples telas blancas enceradas o impregnada contrementina. De ahí que hayan de ser poco extensas las ventanas de esta época hasta que se fue ensayando y generalizando el uso de grandes vidrieras.

La Planta




La planta preferida de la arquitectura románica es la de cruz latina, con una o varias naves longitudinales que finalizan en una cabecera con ábsides.

Una nave tranversal, también llamada crucero, atraviesa las naves longitudinales mientras que las naves laterales rodean la capilla mayor, nos encontramos con la girola o deambulatorio, cuyo objetivo es que los peregrinos contemplen las reliquias allí guardadas.
La nave central es más elevada. En ella se sitúan las ventanas que dan luminosidad al templo.
La nave de crucero y las laterales suelen estar rematadas con capillas, habitualmente entre los contrafuertes, elementos externos que sirven para distribuir las presiones.

El crucero suele estar cubierto con una bóveda más elevada o cimborrio. El campanario se ubica en diferentes lugares siendo el más habitual en la fachada principal.

El punto central de la iglesia es el altar que está situado en el lugar de mayor visibilidad y encuadrado por pinturas murales.
Los muros exteriores son gruesos y están reforzados por contrafuertes exteriores, con ventanas de tamaño reducido que sostienen el peso de las bóvedas. Estos muros pueden ir decorados con relieves geométricos, arquerías ciegas, bandas verticales, etc.

En la entrada una o dos torres, de planta cuadrada y y con huecos de arco de medio punto, rematan el edificio.
Si existe decoración en el exterior se concentra en el pórtico.

Las bóvedas

La bóveda más utilizada en el románico es la llamada bóveda de cañón.

El uso de esta bóveda semicilíndrica resuelve un problema como el de evitar los incendios, pero añade otro para los constructores de templos y monasterios: el arco de medio punto, empleado en la construcción ejerce una gran presión o empuje sobre los muros, llegando a agrietarlos o derrumbarlos.

Para solucionar este problema recurrieron a diversos procedimientos, añadiendo a sus edificaciones:

• Gruesos contrafuertes adosados al muro por el exterior.
• Entre dos arcos de medio punto colocaron otros arcos intermedios, adosados a la bóveda, llamados arcos fajones.
• Aristas transversales encontradas en un punto central. La bóveda se convierte en una sucesión de bóvedas de cañon que se intersectan. Por eso recibe el nombre de bóveda de arista.